EL CINE

1. Linea de tiempo del cine.

2.Pasos para hacer un video virtual.

http://www.bloguismo.com/pasos-elaborar-video/

3.Programas para elaborar videos.

• Free Video Converter: http://www.freemake.com/es/free_video_converter/
• HandBrake: https://handbrake.fr/
• Imgflip: https://imgflip.com/
• Windows Movie Maker: http://www.windows-movie-maker.org/
• VideoPad Video Editor: http://www.windows-movie-maker.org/
• PowToon: https://www.powtoon.com/home/g/es/

4. Biografias:

Walt Disney

A pesar de los esfuerzos de sus biógrafos, un fondo de leyenda sigue aún planeando sobre la figura de Walt Disney. Un repetido rumor asegura que Disney era un emigrante europeo, probablemente español, que llegó a los Estados Unidos y que, más tarde, por temor a suspicacias, falseó su origen. También han sido mitificadas las circunstancias de su muerte: muchos creyeron que Disney había sido congelado con modernas técnicas de hibernación

Según esta leyenda, su cuerpo aún permanecería así con las constantes vitales suspendidas, a la espera de un futuro en que pudiese despertar y nuevos procedimientos quirúrgicos reparasen su salud. Pero la prosaica realidad es que el cadáver Disney fue incinerado por deseo de sus familiares. No ha de extrañar, sin embargo, toda esta mezcla de realidad y fantasía alrededor de quien pasó a la historia de la cultura occidental como uno de los más prolíficos, contradictorios e influyentes cultivadores de la imaginación infantil.

Walter Elias Disney nació el 5 de diciembre de 1901 en Chicago, Illinois. Cuarto de los cinco hijos que tuvieron Elias y Flora Disney, su infancia transcurrió entre apuros económicos y bajo la severidad de su padre, carpintero de profesión, que probó suerte en toda clase de negocios sin que nunca consiguiera mejorar su maltrecha economía. Eternamente menospreciado por su padre, Walt creció muy unido a su madre, una antigua maestra descendiente de alemanes, y a su hermano Roy, ocho años mayor que él.

En 1906, Elias Disney decidió empezar una nueva vida en una granja cerca del pequeño pueblo de Marceline, Missouri, donde Walt descubrió la naturaleza y los animales. También entonces nació su interés por el dibujo, que compartió con su hermana pequeña, Ruth. Elias Disney hacía trabajar tan duro a sus hijos en el mantenimiento de la granja que los dos mayores, Herbert y Raymond, decidieron dejar el hogar para instalarse por su cuenta otra vez en Chicago.

Los difíciles comienzos

La precaria situación en que quedó la familia con la marcha de los dos jóvenes empeoró en el invierno de 1909, cuando el padre contrajo fiebres tifoideas y la enfermedad le obligó a vender la granja y a trasladarse a Kansas City, Missouri, donde encontró un empleo como repartidor de periódicos, tarea en la que Roy y Walt le ayudaban. Ello supuso un menor rendimiento del pequeño Walt en la escuela, donde nunca fue un alumno aventajado. Pasados un par de años, Walt, que ocasionalmente ganaba algún dinero vendiendo sus caricaturas, se matriculó en el Instituto de Arte de Kansas City, donde aprendió las primeras nociones sobre la técnica del dibujo. En aquellos años de su adolescencia descubrió el cine, un invento que le apasionó desde el primer momento.

En 1917, cinco años después de que Roy Disney abandonara también el hogar paterno, Elias Disney se trasladó con su mujer y sus dos hijos pequeños de nuevo a Chicago, donde probó suerte montando una pequeña fábrica de mermelada. En la primavera de 1918, Walt, con sólo diecisiete años, falsificó su partida de nacimiento y se enroló como soldado en la Cruz Roja para combatir en la Primera Guerra Mundial. Llegó a Europa cuando ya había paz, pero estuvo destinado en Francia y Alemania hasta septiembre de 1919. Una vez licenciado, se fue a vivir con su hermano Roy a Kansas City, donde buscó empleo como dibujante.

Su sueño era convertirse en un artista del Kansas City Star, el diario que había repartido en su infancia, pero encontró trabajo como aprendiz en una agencia de publicidad, la Pesmen-Rubin Commercial Art Studio. Con un sueldo de 50 dólares al mes, en aquel empleo conoció a Ub Iwerks, un joven de su misma edad y excepcionalmente dotado para el dibujo, con el que entabló amistad. Cuando los dos se quedaron sin trabajo montaron su propia compañía, la Iwerks-Disney Commercial Artists. La empresa duró apenas un mes, ya que Walt prefirió aceptar un empleo seguro, aunque convenció a sus nuevos jefes para que contrataran a Iwerks. En aquel trabajo ambos aprendieron las técnicas, todavía muy rudimentarias, de la animación cinematográfica.

Inquieto e innovador por naturaleza, Disney pidió una cámara prestada y montó un modestísimo estudio en el garaje de su casa, en el que con la ayuda de Iwerks y trabajando por las noches, produjeron su primera película de dibujos animados. El filme tuvo aceptación y consiguieron nuevos encargos hasta que Disney, que todavía no había cumplido los veintiún años de edad, convenció a Iwerks para que volvieran a probar suerte como empresarios con una compañía a la que llamaron Laugh-O-Gram Films. Con una producción basada en cuentos tradicionales, las cosas les fueron bien hasta que la quiebra de su principal cliente los arrastró también a la bancarrota.

A Hollywood

En 1923, después de intentar inútilmente remontar el bache, Disney emigró a Hollywood. La floreciente industria cinematográfica había convertido a Hollywood en una tierra de promisión. Disney creyó que con su experiencia como cámara obtendría trabajo de director, pero ningún estudio quiso contar con sus servicios, por lo que decidió volver a montar su propia empresa con su hermano Roy como socio. El 16 de octubre de 1923, la Disney Brothers Studio firmó su primer contrato importante, pero todavía insuficiente para hacer frente a sus dificultades financieras. Ya entonces, Walt puso de manifiesto lo que después sería una constante en su compañía: que era capaz de recurrir a cualquier estratagema para sacar el negocio adelante. En 1924, Ubbe Iwerks se unió a ellos y Walt pudo dejar de trabajar como animador para dedicarse al área para la que siempre estuvo más capacitado: la creación de personajes y argumentos y la dirección.

El 13 de julio de 1925, tres meses después de que su hermano Roy se casara, Disney contrajo matrimonio con Lillian Bounds, una joven empleada de su estudio, con la que tuvo dos hijas: Diane Marie, nacida el 18 de diciembre de 1933 cuando el matrimonio ya descartaba que pudieran tener descendencia, y Sharon Mae, a la que adoptaron en 1936. En la primavera de 1926, y después de haber tenido que cambiar de local porque la compañía crecía, los dos hermanos cambiaron el nombre de su empresa, que pasó a llamarse Walt Disney Studio. Pero el estudio sufrió un importante revés cuando su principal cliente se quedó con los derechos del conejo Oswald, un personaje creado por Disney que había protagonizado diversos cortometrajes.

El triunfo del ratón Mickey

Con la determinación de eliminar en lo sucesivo los intermediarios, Disney concibió (durante un viaje en tren de Hollywood a Nueva York) a Mortimer, un ratoncito rebautizado luego con el nombre de Mickey por sugerencia de su esposa y al que Iwerks dio forma. Así lo contó Disney, pero, en realidad, la paternidad de Mickey Mouse ha sido siempre motivo de polémica, y actualmente tiende a atribuirse el propio Iwerks. En octubre de 1928, cuando Disney buscaba distribuidor para las dos películas que había producido con Mickey Mouse como protagonista, se proyectó el primer filme del cine sonoro. Adelantándose a otros productores que creyeron pasajera aquella innovación, Walt se apresuró a incorporar el sonido a una tercera película de Mickey, Willie en el barco de vapor (1928). Buen imitador de voces y acentos, Disney hizo que el ratoncillo y su novia, Minnie, hablaran con su propia voz para abaratar costes. La película, estrenada el 18 de noviembre de 1928 en un teatro de Nueva York, obtuvo un rotundo éxito de público y crítica.

En 1929, con su excepcional sexto sentido para los negocios, autorizó que varias compañías reprodujeran en sus productos la imagen de Mickey Mouse, al que incorporaron guantes y zapatos blancos para evitar que manos y pies desaparecieran sobre fondos oscuros. El 13 de enero de 1930 empezó a publicarse una viñeta del popular personaje (con Disney como guionista e Iwerks como dibujante) en varios periódicos de Estados Unidos, y ese mismo año se editó un libro de dibujos de Mickey que fue reeditado en numerosas ocasiones.

Adicto al trabajo, para el que robaba muchas horas de sueño, Disney tuvo una seria crisis de salud que le obligó, a finales de 1931 y cuando el club de Mickey Mouse ya tenía un millón de miembros, a tomarse unas largas vacaciones con su esposa. De vuelta a Hollywood, se apuntó a un club deportivo donde practicaba boxeo, calistenia, lucha libre y golf. Poco después descubrió la hípica y, finalmente, el polo, del que fue un fanático durante el resto de su vida. Una afición que cultivó con tanta pasión como su fascinación por los trenes y las miniaturas.

Con Mickey Mouse como buque insignia de una compañía en alza, Disney creyó que no debía dormirse en los laureles ni aburrirse haciendo sólo películas del famoso ratoncillo, que en 1932 le supuso el primero de los Oscar que recibiría durante su carrera. Respaldado por un equipo de excelentes dibujantes e ilustradores, desplegó todo su espíritu creativo en la primera serie de sus Sinfonías tontas (1932). Realizados en technicolor, los diversos cortometrajes que componían esta producción significaron en su época un experimento sobre el uso expresivo del color. En noviembre de aquel mismo año, el estudio Disney se convirtió en el primero que tuvo su propia escuela de dibujantes y animadores.

Un año más tarde, el 27 de mayo de 1933, estrenó la sinfonía tonta que hacía el número treinta y seis y que iba a tener un éxito inesperado: Los tres cerditos. Sin pretenderlo, su famosísima canción ¿Quién teme al lobo feroz? se convirtió en un canto de esperanza para millones de norteamericanos que intentaban no ser devorados en la vida real por la Gran Depresión. En 1934, cuando su estudio contaba con 187 personas, nació el pato Donald, un personaje de carácter irascible y perverso, que vino a sumarse a los perros Pluto y Goofy.

Los largometrajes

Cuando ya se había hecho un nombre en la industria de Hollywood, Walt Disney emprendió una iniciativa arriesgada y sin precedentes: producir el primer largometraje de dibujos animados de la historia del cine. Blancanieves y los siete enanitos (1937) demostró no sólo que Disney y su equipo eran unos virtuosos de la animación, sino que los dibujos animados podían ser todo un género cinematográfico. La película recaudó cuatro millones de dólares, todo un récord para la época, pero dejó endeudado a Disney hasta 1961 por culpa de la amortización de los créditos que tuvo que pedir, ya que el presupuesto inicial de 500.000 dólares de la película había acabado triplicándose.

En Blancanieves y los siete enanitos se utilizó por primera vez la cámara multiplano, capaz de sugerir profundidad de campo gracias a un ingenioso sistema de superposición de cinco láminas filmadas en un mismo plano para simular lejanía, y un nuevo sistema de technicolor. La película fue el primer ejemplo de que el cine de animación de la escuela Disney tenía un sólido procedimiento narrativo, en el que los personajes humanos eran descritos a partir de la «mirada» de los animales humanizados o de los seres fantásticos. También quedó patente en el filme el gusto de Disney por lo tenebroso y su estilo de sugerir más que de mostrar abiertamente el terror.

La década de los cuarenta fue un período de gran actividad en la Disney, caracterizado tanto por la consolidación del estilo iniciado con Blancanieves y los siete enanitos como por la contradicción que Walt sentía entre su tendencia artística a la innovación y al riesgo y la necesidad de atender a un mercado nada dado a las novedades y los experimentos. Reflejo de ello fue la tibia respuesta del público a las siguientes películas salidas de su «factoría» de sueños. Pinocho (1940), considerada como una de las piezas maestras del cine de animación por los críticos y en la que se invirtieron 2.600.000 dólares, fue un desastre comercial.

Lo mismo sucedió con Fantasía (1940), que costó 2.300.000 dólares. En ella dibujantes y animadores combinaron las evoluciones de los personajes de dibujos animados con la música de Stravinski, Dukas, Beethoven, Ravel, Bach o Chaikowski. Considerada una obra maestra por unos y una insultante caricatura de la música clásica por otros, Fantasía no fue la «obra total» que Walt Disney había imaginado y deseado. Estos fracasos comerciales abrieron una importante brecha económica en la empresa, paliada poco después por los éxitos consecutivos de Dumbo (1941) yBambi (1942).

Después del sketch sobre La danza de las horas, de Ponchielli, que codirigió con Norman Ferguson en Fantasía utilizando el seudónimo de T. Hee, Walt Disney abandonó el campo de la realización para dedicarse casi en exclusividad a la tarea de dirigir el incipiente imperio cinematográfico en el que se había convertido la empresa que tan modestamente había iniciado quince años antes. El 6 de mayo de 1940 finalizó la construcción de sus nuevos estudios en Burbank, que le granjearon el sobrenombre de «Mago de Burbank».

Diseñados por él mismo con el objetivo de facilitar el trabajo de sus empleados, aquellos estudios contaban con veinte grandes edificios, separados por calles a las que se les puso el nombre de sus personajes. La plantilla de la empresa rondaba los 2.000 empleados, a los que Disney exigía un alto nivel de creatividad y producción a cambio de salarios muy bajos, aunque nunca reparó en gastos a la hora de hacer sus películas y siempre llevó personalmente una vida privada sin lujos ni ostentaciones.

Disneylandia

En 1953, después de ganar un nuevo Oscar al mejor documental con El desierto viviente, inició conversaciones con la cadena televisiva ABC para ceder la emisión de sus películas al nuevo invento. A diferencia de otros productores de Hollywood, que la consideraban una amenaza, Disney creyó que la televisión era un excelente medio de difundir sus productos. Un año después inició la realización de filmes específicamente para televisión, la parte de su producción artística más denostada por los críticos. Críticas que también le lloverían años después con Mary Poppins(1964), su primer largometraje con sólo actores reales. Pero a Disney no le importaron, porque esas películas le daban el dinero que necesitaba para hacer realidad un proyecto que acariciaba desde hacía tiempo: construir un enorme parque de atracciones basado en sus personajes.

https://www.biografiasyvidas.com/monografia/disney/

Harry Poter

su nombre completo es Harry James Potter, nació el 31 de julio de 1980. Es el personaje principal en la serie “Harry Potter” de la escritora J.K. Rowling. En los libros se aborda su vida por un periodo de siete años, en donde se relatan sus aventuras como mago hasta que cumple su destino, el cual está ligado a lord Voldemort, un mago de las tinieblas.

Hijo único de James y Lily Potter, cuando pequeño sobrevive a una maldición realizada por lord Voldermort, asesino de sus padres. Con esto finaliza la primera guerra mágica y al quedar huérfano se queda con sus parientes Dursley, los cuales son muggles.

Harry se da cuenta que es un mago cuando tiene once años de edad. Después de este descubrimiento ingresa a la escuela de magia Hogwarts y es seleccionado para pertenecer a la Casa de Gryffindor.

Al poco tiempo conoce a sus amigos inseparables Hermione Granger y Ron Weasley, y se convierte en jugador de Quidditch, como el más joven en el deporte en más de cien años. Su fama aumenta cuando protege la piedra filosofal que pertenece a Voldemort y también cuando salva de la cámara de los secretos a Ginny Weasley.

Gana el Torneo de los Tres Magos en su cuarto año como estudiante, aunque dicho evento tiene un final trágico ya que muere Cedric Diggory y lord Voldemort regresa. Al siguiente año el joven mago crea el Ejército de Dumbledore y pelea en la batalla del departamento de misterios, en la cual muere su padrino.

En la segunda guerra mágica, Harry se involucra de manera importante en muchas batallas. En la de Hogwarts tiene un encuentro con Voldemort y decide sacrificar su vida para destruir el fragmento de alma de este villano, que habita en él. A pesar de esto Harry sobrevive, y tiene una pelea extraordinaria con el mago tenebroso hasta que lo vence.

Al finalizar la guerra todo se reestablece y Harry se convierte en auror. Luego contrae matrimonio con Ginny Weasley y tienen tres hijos, ellos son James Sirius, Albus Severus y Lily Luna. Posteriormente es padrino de Teddy Remus Lupin.

Se destaca en su biografía que derrota a lord Voldemort, y también es sobresaliente al ser el único maestro de la muerte, debido a que reúne las tres reliquias de la muerte. Como una paradoja resulta ser pariente de Voldemort , ya que éste desciende de Cadmus Peverell y Harry de Ignotus Peverrell.

Existe un epílogo alternativo que dice que Harry tiene 150 años y como director de Hogwarts tiene un tataranieto que se llama Tom, como Tom Ryddle, con la posibilidad de que se llame Tom Potter.

Harry es un mago que tiene un poder excepcional, es valiente y siempre busca proteger a sus amigos. En toda la serie se ve sometido a gran cantidad de circunstancias de peligro, y mantiene en todo momento valores muy altos para hacer lo correcto.

http://biografias.wiki/harry-potter/

Charles Charplin:

(Londres, 1889 - Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977) Director, actor y productor de cine de origen británico, creador del mítico personaje de Charlot.

Hijo de un humilde matrimonio de artistas de variedades, su padre falleció siendo él muy pequeño y su madre sufría trastornos mentales, por lo que pasó parte de su infancia y su adolescencia en la calle o acogido en distintos orfanatos. Debutó en escena a los ocho años de edad y continuó actuando en distintas compañías ambulantes hasta que logró destacar en una de las más célebres de Londres.

A los veintiún años se trasladó a Estados Unidos, donde se dedicó al medio cinematográfico. En el filme Carreras de autos para niños, del año 1914, aparece por primera vez el personaje de Charlot: un vagabundo que viste pantalones de anchas perneras, calza unos zapatos desmesurados, se toca con un bombín, lleva un bastón de bambú y luce un característico bigote.

En 1915, contratado por Essanay, realizó varias películas, entre las que destaca El vagabundo, en las cuales quedó definitivamente fijado el peculiar universo de Charlot. De la Essanay pasó a la Mutual, en 1916; en aquel momento era ya el actor de cine mejor pagado de la época. Al mismo tiempo comenzó a asumir responsabilidades de dirección.

En 1918 fue contratado por un millón de dólares por la First National para realizar ocho películas en un lapso de cinco años; se consagró entonces como genio de la pantalla con filmes como Vida de perro, Armas al hombro y El chico. En 1919 fundó junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D. W. Griffith la United Artists Corporation, que duraría hasta el año 1952. Sin embargo, hasta el final de su contrato con la National no pudo empezar a trabajar en su propia productora. En 1921 realizó un viaje por todo el mundo. Su fama ya era universal y fue acogido triunfalmente en todas partes.

Una vez pudo disponer de absoluta libertad para escribir, dirigir y producir sus propios proyectos, el carácter humorístico y sentimental de sus películas derivó hacia la tragedia y la sátira, siempre manteniendo un estilo interpretativo inimitable, cimentado en el arte del mimo y del payaso circense. La llegada del cine sonoro a finales de los años veinte no perjudicó la efectividad de su pantomima: sus filmes encontraban permanentemente nuevas audencias.

Engrosaron su filmografía Una mujer de París, La quimera del oro, El circo, Luces de la ciudad y Tiempos modernos, donde se agudiza su crítica social. Todas ellas fueron sendos éxitos de taquilla. Siguieron luego las dos últimas película
s que rodó en Estados Unidos: su primera cinta sonora, El gran dictador, en la que Charlot es la contrafigura de Hitler, y Monsieur Verdoux, donde aparece por última vez el personaje de Charlot
Viajó a Europa y se instaló en Vevey (Suiza). Aún produjo tres filmes más, en Londres: Candilejas, La condesa de Hong Kong y Un rey en Nueva York. Fruto de su matrimonio con Oona nació Geraldine Chaplin, que seguiría los pasos de su padre como actriz de cine. En 1972 regresó a Estados Unidos a recoger el Oscar que le había concedido la Academia de Hollywood por el conjunto de su obra. A lo largo de una trayectoria de 79 películas, combinó de manera prodigiosa lo humorístico, lo dramático y lo satírico. La genial creación del personaje de Charlot, cómico y patético al mismo tiempo, se ha convertido en un mito del siglo XX.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chaplin.htm

Oliver Hardy:

(Oliver Norvell Hardy; Harlem, Georgia, 1892 - Hollywood, 1957) Actor de cine estadounidense. Vástago de una familia de emigrantes británicos, el joven Oliver, tras estudiar en el conservatorio de Atlanta, prefirió ser cantante en grupos callejeros y teatros de vodevil que asistir al colegio. En 1910, cuando sólo contaba con 18 años, montó la primera sala cinematográfica de Milledgeville (Georgia), en vez de atender los cursos de Derecho en la universidad.

En 1913 abandonó su carrera de empresario para hacerse actor en la Lubin Company de Florida, en la que además realizó tareas de ayudante general. Allí adquirió rápidamente gran fama por su versatilidad, interpretando tanto papeles de malo en westerns, como más cómicos en comedias o más dramáticos cuando la ocasión lo requería, siendo su debut oficial en la pantalla el cortometraje Outwitting Dad, en 1913.

Tras tres años con Lubin, Oliver Hardy se especializó en el género de la comedia, y apareció desde 1916 hasta los primeros años de la década de los veinte en las series de comedia de Frank Baum y como oponente cómico de diversos comediantes de gran nivel en Estados Unidos, como Billy West, Earl Williams o Jimmy Aubrey.

A partir de 1921 trabajó como actor y codirector de los cortometrajes cómicos del gran Larry Semon, hasta que en 1925, Hal Roach (que intentaba reverdecer los tiempos de gloria pasados con Harold Lloyd) le contrató para formar parte del elenco de cómicos llamado 'Hal Roach Comedy All-Stars', de los que formaban parte entre otros James Finlayson, Clyde Cook, Eugene Pallette, Max Davidson, Noah Young, Anita Garvin, Mae Busch y el que sería su futuro compañero de aventuras durante los siguientes veinticinco años, Stan Laurel, con el que formaría la célebre pareja cómica Laurel & Hardy, más conocida en español como El Gordo y el Flaco.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hardy_oliver.htm

Richard Brooks:

(Filadelfia, 1912 - Los Ángeles, 1992) Guionista y director de cine estadounidense. Licenciado en Periodismo en la Temple University, la crisis de 1929 dificultó su carrera periodística, que inició en pequeños periódicos locales. En su Filadelfia natal consiguió un empleo para escribir sobre deportes en el Philadelphia Record. En 1937 aceptó una oferta del World Telegram y se trasladó a Nueva York. En 1940, en Los Ángeles, escribe una historia al día, durante un año entero, para la cadena NBC. Viaja a Nueva York y se consolida en la radio, donde escribirá numerosos guiones, alguno incluso para Orson Welles, además de montar también alguna obra teatral.

A comienzos del año 1942 le llegó una oferta desde Hollywood como guionista. Sus primeros trabajos no fueron en absoluto de su agrado. Debutó con el filme Los malhechores de Carsin (1942), de Ray Enright, al que sigue un año después La salvaje blanca (1943), de Arthur Lubin. Se enroló en el cuerpo de Marines de los Estados Unidos y combatió en la Segunda Guerra Mundial.

Terminado el conflicto, el productor Mark Hellinger le ofrece la posibilidad de trabajar -sin acreditar- en los guiones de Forajidos (1946) y La ciudad desnuda (1948), y le pide que adapte una historia de Robert Patterson que habría de llevar a la pantalla Jules Dassin, Fuerza Bruta (1947). El trabajo impresiona a John Huston, que está preparando Cayo Largo, basada en la obra de Maxwell Anderson, y le pide que revise, añada, haga o deshaga el guión que acaba de escribir el propio director; finalmente, el filme se convertiría en un clásico del cine negro americano.

En 1950 llega su primera película como director, Crisis, basado en la magnífica novela de George Tabori The Doubters, un filme que apunta ya el virtuosismo de Brooks. Más tarde reconoció que, describiendo los personajes de José Ferrer y Signe Hasso, la esposa intransigente del dictador, pensaba evidentemente en los personajes de Perón y su esposa Eva. Muy hábilmente, Brooks evita los errores de un primer filme con una peripecia absolutamente inesperada. Su maestría es evidente en la impresionante escena de la repetición de la operación, así como en el duelo entre Cary Grant y Ferrer, geniales los dos, que refuerza la credibilidad de la obra.

Pero, por desgracia, la MGM coaccionó la obra de Richard Brooks. Siempre se quejó de que, en Battle Circus (1953), un filme nunca estrenado comercialmente en España, la compañía del león hizo reinar en el guión la historia de amor en detrimento de otros elementos posiblemente más interesantes. En esta bonita historia de médicos en la guerra de Corea, Brooks no tiende a exaltar ideales, sino a los personajes que portan y que defienden esos ideales, que no son otros que los del propio Brooks.

De esos ideales tratan sus películas: la defensa de la libertad de prensa en Deadline USA (1952), la crítica de los vicios militares en Take the High Ground (1953), la supervivencia del amor en La última vez que vi París (1954), adaptación de la obra de F. Scott Fitzgerald, y, por supuesto, la educación y la tolerancia en la maravillosaSemilla de maldad (1955), un clásico de la delincuencia juvenil.

Si John Ford describía la agonía del pueblo cheyenne en El Gran Combate (1964), unos años antes, en 1956, Brooks provoca sentimientos profundos sobre la aniquilación física de una nación en un buen western, The Last Hunt (1956). El cineasta rechaza las convenciones del género, limitando voluntariamente las escenas de acción, para mostrar, y denostar, el personaje de Robert Taylor, arquetipo fascinante de la violencia (su Winchester parece formar parte de su cuerpo).

Tampoco sigue las reglas generales del western en los otros dos que constan en su filmografía, totalmente crepusculares. Por un lado, Los profesionales (1966), por el otro, Muerde la bala (1975). Mientras que la primera es lírica y amarga al mismo tiempo, la segunda es nostálgica, emplazada al comienzo del siglo XX, cuando la frontera está oficialmente abolida, la conquista del oeste ha terminado, y éste deviene espectáculo y el mito sólo interesa mercantilmente.

Aunque Richard Brooks había ya adaptado varias novelas, comienza en 1958 su repertorio de auténticos best-sellers llevados a la pantalla, que no fueron siempre sus mejores películas, aunque sí algunas de las más densas. Adaptó dos obras de Tennessee Williams, en las que interviene un Paul Newman soberbio; La Gata sobre el tejado de zinc (1958), en la cual describe, con el trasfondo de la homosexualidad latente, una sociedad obsesionada por el dinero y el sexo y una hipócrita América de pesadilla, y Dulce pájaro de juventud (1962), un drama típico de Williams de pasiones desaforadas que afloran en una ciudad del sur estadounidense.

De Fiodor Dostoievsky llevó a la pantalla Los hermanos Karamazov (1958), un filme un tanto insólito, pues cumple con las exigencias de una superproducción, con gusto especial por el espectáculo suntuoso y las estrellas, al mismo tiempo que concilia éstas con una razonable fidelidad a la obra original, sin olvidar el vigor dramático y moralista tan caro a Brooks. Su único Oscar, de las ocho veces que estuvo nominado como mejor guionista o director, fue al mejor guión por El fuego y la palabra (1960), de Sinclair Lewis, un filme que se presenta no tanto como una denuncia del cristianismo como religión, sino como una sátira de los comportamiento colectivos y una crítica a los alentadores de masas enloquecidas por su charlatanería.

Después le seguirían Lord Jim (1965), de Joseph Conrad (ni la sobriedad artística de Brooks pudo salvar el complejo mamotreto moral que representaba tal monumento literario), y la violenta A sangre fría (1967) de Truman Capote, una obra maestra en que, con la objetividad del documentalista, Brooks renuncia al discurso y favorece a los hechos.

Casado con la actriz Jean Simmons, Brooks fue, además de gran cineasta y profesional comprometido y solidario, un destacado novelista. Escribió The Brick Foxhole (1943), que sería llevada a la gran pantalla por Edward Dmytryk con el título de Encrucijada de odios (1947), The Boiling Point (1948) y The Producer(1951), claramente basada en la vida del productor Mark Hellinger.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brooks.htm

5.Empresas creadoras de cine:

WARNER BROS: 

Es uno de los más importantes productores del mundo, (como la televisión y el cine).Esta compañía fue creada por 4 hermanos: Harry, ALbert, Sam y Jack Warner, sin embargo su fundador en si fue Harry quien comenzó a realizar un negocio de cine, que tiempos después sus hermanos se involucraron en ella. En el año de 1918 empezó la gran producción en el cual construyeron su propio estudio.

Universal Studios Inc.,

es un estudio cinematografico estadounidense, propiedad de corporation a través de su propia dependencia universal,​ y es uno de los grandes 6 de hollywood. Sus estudios de producción se encuentran en 100 Universal City Plaza Drive en Universal City, California. La distribución y otras oficinas corporativas se encuentran localizadas en la ciudad de nueva york. Universal Studios es miembro de la asociacion cinematografica de estados unidos (MPAA por sus siglas en inglés).

20th Century Fox 
La empresa fue fundada en la ciudad de Nueva York por William Fox, un inmigrante judío – húngaro quien vendió su empresa de procesamiento textil y con las ganancias compró un humilde "espectáculo común.” En aquel entonces, el “espectáculo común” era la denominación legal para la exhibición de películas en una tienda remodelada para tal propósito la cual contaba con menos de 299 localidades. Estas primitivas salas de cine cobraban cinco centavos como entrada y por lo tanto fueron conocidos como "nickelodeons" (la moneda de cinco centavos en Estados Unidos es conocida como "nickel").



Columbia Pictures
La misma fue fundada en 1978, en hollywood, los angeles california, por los hermanos Jack y Harry Cohn y Joe Brandt, como las Ventas Cinematográficas Cohn-Brandt-Cohn, y produjeron su primera película en agosto de 1922. En 1924 los hermanos Cohn compraron a Brand su parte y se deshicieron de él, reorganizando el estudio a su manera y adoptaron el nombre de Columbia Pictures. Este nombre se deriva de "Columbia", una personificación nacional de los estados unidos, que se usa como el logotipo de la compañía.

6. Personajes del cine:

01. Charlot / Charles Chaplin.

02. Pamplinas / Buster Keaton.

03. Lola Lola / Marlene Dietrich (El ángel azul).

04. Hermanos Marx.

05. El monstruo / Boris Karloff (El doctor Frankenstein).

06. Tarzán / Johnny Weissmuller.

07. King Kong.

08. Reina Cristina / Greta Garbo.

09. Susan Vance / Katharine Hepburn (La fiera de mi niña).

10. Cantinflas / Mario Moreno.

7. Generos de peliculas:

1. Documental
2. Biográfico
3. Histórico
4. Musical
5. Comedia
6. Infantil
7. Western
8. Aventura y acción
9. Bélico
10. Ciencia ficción

8. Peliculas:

AVATAR TRAILER ESPAÑOL - HD 1080:

Genero: ciencia ficcion.

Mensaje: Es una pelicula que ha llamado mucho la atencion no solo por sus efectos especiales,si no por el mensaje ecologista que contiene.Ademas se desarrollan varios temas como valores morales y eticos,discapacidad(no es impedimento cuando se quiere lograr algo productivo),amor a una cultura,entre otros.La pelicula nos muestra como los humanos hemos perdido toda conexion con la naturaleza,debido a nuestra ambicion de enriquecernos.Situacion que los animales y seres vivos no han perdido.Lo que a futuro nos perjudicara.



LOS JUEGOS DEL HAMBRE- EN LLAMAS:
Genero: Accion, Aventura, Ciencia Ficcion, Suspense.


Mensaje: Katniss Everdeen vuelve a casa sana y salva después de ganar los 74º Juegos del Hambre anuales junto a su compañero Peeta Mellark. Participar significa dejar atrás familia y amigos y hacer ambos el Tour de la Victoria por los diferentes distritos. A lo largo del camino, Katniss se da cuenta de que se está gestando una rebelión, pero en el Capitolio todo sigue bajo control: el Presidente Snow organiza los 75º Juegos del Hambre, El Vasallaje, una competición especial con una inesperada novedad que cambiará Panem para siempre.


MEN IN BLACK 3:
Genero: Accion


Mensaje: Los agentes K y J con sus atuendos y gafas oscuras, fueron creados en 1990 por Lowell Cunningham como personajes de una tira cómica, pero no fueron afortunados con la aceptación del público. Siete años después, bajo la dirección de Barry Sonnenfeld, el cine les dio vida y la película fue exitosa.Para salvar a su compañero de la muerte J viaja en el tiempo exactamente al año 1969 y se retrata la época con acierto en su ambientación: automotores, vestimenta, la acentuada discriminación racial y el lanzamiento del Apolo 11. En ese pasado se cumple la misión enfrentando al extraterrestre Boris “El Animal”.

.
.